domingo

LANG LANG "CHOPIN CONCIERTO PIANO Nº 2"


 El Concierto para piano n.º 2 en fa menor de Frederic Chopin, op. 21 es una obra muy apreciada en el repertorio de piano, que muestra el don excepcional del compositor para la melodía, la armonía compleja y la expresión emocional.

La Génesis del Concierto para piano n.º 2

Compuesto en 1829 cuando Chopin tenía apenas 19 años, el Concierto para piano n.° 2 en fa menor, op. 21 fue creado antes de que Chopin dejara su Polonia natal para ir a París. A pesar de su designación numérica, en realidad es el primer concierto para piano que escribió Chopin.

La obra se estrenó por primera vez en el Teatro Nacional de Varsovia en 1830, con el propio Chopin como pianista solista. La actuación fue recibida con un aplauso entusiasta, lo que consolidó el estatus de Chopin como figura importante en la escena musical de Polonia.

Estructura musical poco convencional

El Concierto para piano n.º 2 de Chopin destaca por su forma única. A diferencia del modelo de concierto estándar de tres movimientos rápido-lento-rápido, Chopin se sumergió en un reino lírico único con esta composición. La clave de fa menor, una elección común para música de naturaleza profundamente conmovedora, sustenta toda la obra.

El concierto comienza con el movimiento Maestoso, con una dramática introducción orquestal antes de que entre el piano con una melodía bellamente ornamentada. A esto le sigue el Larghetto, una canción de amor en clave de si mayor, y termina con un enérgico Allegro vivace en clave de fa menor.

¿Por qué es tan popular el Concierto para piano n.º 2?

La popularidad de esta composición se debe en gran medida a sus cualidades líricas, fraseo expresivo y la parte virtuosa del piano. Permite a los pianistas mostrar tanto su destreza técnica como su musicalidad mientras cuentan una historia que conecta con las emociones del oyente.

La innovadora orquestación y la introducción de ritmos de danza polaca en el rondó final también contribuyen al atractivo internacional del concierto. Es una pieza que trasciende las fronteras nacionales y continúa inspirando y conmoviendo al público de hoy.

Pensamientos concluyentes

El Concierto para piano n.º 2 en fa menor es un testimonio del genio de Frederic Chopin y presenta un mundo de profundas emociones y delicada belleza a través del piano. Desde el dramáticamente conmovedor Maestoso hasta el intimista Larghetto y el bailable Allegro, el concierto lleva a los oyentes a un rico viaje sonoro.
Independientemente de las preferencias musicales de cada uno, el encanto melódico, la profundidad emocional y la sofisticación expresiva de esta obra maestra de Chopin seguramente dejarán un impacto innegable.

sábado

CARLOS ALVAREZ "DUO DE DON GIOVANNI"


 Título original en italiano, Il dissoluto punito, ossia il Don Giovanni) es un drama jocoso en dos actos con música de Wolfgang Amadeus Mozart y libreto en italiano de Lorenzo da Ponte basado en la obra original El burlador de Sevilla y convidado de piedra de Tirso de Molina. Lleva como número KV 527.

Se estrenó en el Teatro de Praga (actualmente llamado el Teatro Estatal) el 29 de octubre de 1787.​ El libreto de Da Ponte fue considerado por muchos en la época como dramma giocoso, un término que denota una mezcla de acción cómica y seria. Mozart introdujo la obra en su catálogo como una «ópera buffa». Aunque a veces clasificada como cómica, mezcla comedia, melodrama y elementos sobrenaturales.

Como obra destacada del repertorio operístico estándar, aparece como el número siete en la lista Operabase de las óperas más representadas en todo el mundo, y la tercera de Mozart, después de La flauta mágica y Las bodas de Fígaro. La ópera, obviamente, es una reelaboración del tema literario del Don Juan. Además de todas las reelaboraciones literarias y reflexiones filosóficas del tema en general, la ópera ha suscitado algunas recepciones literarias específicas.

Mozart compuso la ópera entre marzo y octubre de 1787, en Viena y en Praga, basada en el mito de Don Juan (el correspondiente italiano de Juan es Giovanni), y en particular en el inmediato antecedente de la ópera Don Giovanni Tenorio de Giuseppe Gazzaniga, estrenada en los recientes Carnavales de Venecia de principios de 1787. Surgió como un encargo a raíz del éxito que tuvo en esta última ciudad el estreno de su anterior ópera, Las bodas de Fígaro.

Acabó la partitura el 28 de octubre del mismo año, después de que Da Ponte fuera llamado a Viena para trabajar en otra ópera. Hay relatos dispares sobre que acabase la obertura en el último minuto; algunos dicen que fue terminada el día antes del estreno, otros el mismo día. Más probablemente se terminó el día antes, dado el hecho de que Mozart escribió que terminó la ópera el 28 de octubre. La partitura exige dobles instrumentos de madera, trompas y trompetas, timbales, bajo continuo para los recitativos, y las usuales cuerdas.

El compositor también especificó ocasionales efectos musicales especiales. Para la escena del baile al final del Acto I, Mozart exige no menos de tres grupos en escena para tocar diferentes danzas en sincronización, cada una de ellas con su metro respectivo, acompañando la danza de los principales personajes. En el Acto II, se ve a Giovanni tocando la mandolina, acompañando cuerdas pizzicato. Cuando la estatua del Comendador habla por vez primera más tarde en el acto, Mozart añade tres trombones al acompañamiento.

La ópera fue estrenada en el Teatro Estatal de Praga el 29 de octubre de 1787, bajo su título completo de Il Dissoluto Punito, ossia il Don Giovanni Dramma giocoso in due atti. La obra fue recibida con gran éxito de crítica y público, como ocurrió a menudo con la obra de Mozart en Praga. El Prager Oberamtszeitung escribió: «Aficionados y músicos dicen que Praga nunca ha oído nada parecido,» y «la ópera… es extremadamente difícil de interpretar.»​ Provincialnachrichten de Viena señaló, «Herr Mozart dirigió en persona y fue recibido feliz y jubilosamente por la numerosa concurrencia.»

Mozart también supervisó el estreno en Viena de la obra, que tuvo lugar el 7 de mayo de 1788. Para esta producción, escribió dos nuevas arias con sus correspondientes recitativos: el aria de Don Ottavio Dalla sua pace (K.540a, compuesta el 24 de abril para el tenor Francesco Morella), el de doña Elvira In quali eccessi … Mi tradì quell’alma ingrata (K. 540c, compuesta el 30 de abril para la soprano Caterina Cavalieri) y el dúo entre Leporello y Zerlina Per queste tue manine (K. 540b, compuesto el 28 de abril).

viernes

PAGINAS DEL BARROCO


 La música barroca es un estilo de música de origen europeo que se desarrolló entre los siglos 1660 y 1750, coincidiendo cada fechas con la aparición de la ópera y el fallecimiento del compositor Sebastián Bach, respectivamente.
Este periodo a su vez coincide con el final y el comienzo de dos etapas musicales, el previo Renacimiento y el posterior Clasicismo. Además, durante el barroco aparecieron algunas de las más importantes formas musicales de la historia musical como son la sonata, el concierto o la ya mencionada ópera, además de dar lugar a músicos barrocos considerados muchos de ellos como los más destacados de la historia de la música clásica, como veremos más adelante.

Por otro lado, cabe destacar que el barroco no sólo tuvo influencia en el ámbito musical, sino en el resto de campos artísticos como la literatura, la pintura, la arquitectura, la escultura, el teatro, etc.
Desde el punto de vista musical podemos clasificar diferentes etapas dentro del propio barroco, que ya es en sí mismo una etapa dentro de la música clásica. Concretamente, 4 etapas:

El Barroco temprano(1580-1630)
Los aspectos más destacables de esta etapa son la policoralidad (uso de varios coros de voz e instrumentos), el protagonismo de una voz aguda que acapara el interés musical (monodía) y por supuesto, la aparición de la ópera.

El Barroco medio (1630-1680)
Este periodo destaca por el auge de la música italiana y la popularidad de la ópera por todo el continente europeo.

El Barroco tardío (1680-1730)
Durante el barroco tardío surgieron nuevas tendencias musicales como innovación en fórmulas tonales o la ampliación del estilo de concierto.

Además esta es ya una época de consolidación del estilo musical en la que hay presencia de la mayoría de los músicos del barroco más importantes de muchos países europeos como Italia (Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti ), Alemania (Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Händel o Georg Philipp Telemann), Francia (Jean Philippe Rameau)…

Etapa final de transición hacia el Clasicismo (1730-1750)
Se desarrollaron la ópera buffa, la sonata, la sinfonía y destaca por un estilo más emocional que en la fase anterior. Según los expertos, la muerte de Johan Sebastian Bach coincide con el cambio de etapa del Barroco al Clasicismo.

Estilos y características de los músicos del barroco
El estilo barroco pese a estar influenciado por muchas culturas y lugares, fue predominado por la influencia francesa e italiana, dando lugar a sus dos estilos más importantes. No obstante, hay que destacar que el estilo alemán así como otros países fueron también muy importantes, pero siempre imitando en gran medida alguno de estos dos estilos o incluso combinándolos. Veámoslos: 

El estilo francés se desarrolla en un contexto histórico que coincide con el reinado de Luis XIV y con Jean-Baptiste Lully como principal referente. Este estilo es de carácter conservador y se caracteriza por la brevedad de las composiciones, las estructuras cerradas y simétricas, la ornamentación propia del barroco y las armonías restringidas.

El estilo italiano propio de grandes ciudades italianas como Venecia, Nápoles, Roma y especialmente Bolonia en donde se desarrollaron continuas innovaciones de estilo, fue uno de los estilos más imitados en toda europa durante el Barroco en el siglo XVIII, incluso por los franceses, pese a albergar un estilo propio muy predominante. Los músicos del barroco italianos, como el célebre Vivaldi, a diferencia de los seguidores del estilo francés, apostaban por el rápido ritmo armónico, las formas abiertas y asimétricas y la utilización de la improvisación.

Características de los músicos del barroco
En general, las principales características que definen el estilo de los músicos del barroco son: 
La permanente utilización del contrapunto y el nacimiento del contrapunto complejo, de primera especie ,de segunda especie, de tercera especie y de cuarta especie.
El predominio de las voces aguda y grave.
Presencia imprescindible del bajo continuo, el cual era interpretado generalmente por uno o varios instrumentos melódicos graves como el violonchelo, la viola da gamba, el fagot, entre otros y acompañado de un instrumento armónico como el órgano, la guitarra barroca, el arpa, etc. 
Evolución de la armonía tonal y un ritmo armónico de gran rapidez.
Compás binario o ternario, claro, simple y uniforme.
La escritura idiomática que permitió la evolución del lenguaje instrumental propio para cada instrumento y diferente al oral.
Aparece la orquesta con mayor número de instrumentos de cuerda frotada que de cualquier otro tipo, constituyendo la antesala de la orquesta sinfónica que conocemos hoy en  día.
Nacen y se empiezan a constituir  popularizar formas instrumentales y vocales nuevas como la ópera, el oratorio, la cantata, el concierto, la sonata y la suite orquestal